手绘

拼音：shǒu huì

 手绘效果图技法是从事建筑，美术，园林，环艺，摄影，视觉传达等专业学习的学生一门重要的专业必修课程。在效果图的学习过程中，临摹是一个非常重要的内容与环节。它是衡量大学生手绘能力的重要指标。同时对大学生毕业，就业都具有很大的影响。与其相对应的是电脑效果图。

 手绘内容

手绘效果图内容包括：室内手绘设计、室外建筑园林景观马克笔技法、彩铅家具和灯具、室内客厅装修、经典别墅、国外酒店工业设计的表现技法、尽在环境艺术网,其设有环艺、室内论坛、典藏、茶馆等等。目前，一种不用敲砖砌墙的装修方式时下已悄然流行。

工业设计也很重视手绘技法，一般工具有马克笔,A3纸，低黏度胶条，勾线笔，以往会用色粉，但现在已经不再流行了。

工作环境

室内设计通常要画三种图：构思草图、设计施工图及效果图。一名室内设计师要画好各种图纸，既要有全套的绘画、绘图仪器和工具，又要有功能合理、使用便捷的绘图工作环境。通常根据实际需要可分为绘图工作室及绘图板与绘图工作台面两种。

一、绘图工作室

绘图工作室的具体面积没有一定的规定，可根据具体场地来进行安排，其功能一般应由绘图工作空间、图纸资料贮存空间及一定面积的供悬挂图纸的展示墙面等内容构成。各部分内容应布置合理，并以绘图工作空间为中心，充分满足绘图工作的需求。

(1)绘图工作空间应设置足够大的工作台面，并可分为可调角度的手工绘图作业区、电脑绘图作业区和其他附属内容作业区三大部分。该部分可采用单元组合或单体家具的不同方式布置。

(2)图纸资料贮放空间应设置供不同规格图纸存放、贮存的图纸专用柜及各类参考资料和图书的资料柜架。

(3)图纸展示墙应有一定合适的面积，墙面材料应考虑便于使用图钉且反复使用不会影响外观的材质，或可用磁性材料吸附的板材。

二、绘图板与绘图T作台面

绘图板是室内设计制图中最基本的工具之一，一般为硬度适中、干燥平坦的矩形木板制成。图板的两端为直硬木，以防图板弯曲和利于导边。图板的短边称为工作边，而面板称为工作面。

绘图板通常尺寸以600(750)mmX900mm和750mmXl050mm两种较为实用。制图时，根据所绘图纸的尺寸大小来选择相应尺寸的图板。平时应保持图板的整洁和图板边缘的挺直，同时，应避免在图板的工作面上刻画或加压重物等。

工作台面一般有单体独立式的图桌椅或组合式的工作台的形式。区别在于前者工作面积小，后者工作面积较大。但无论是独立的图桌椅还是组合式的工作台，其工作台面应满足一般室内设计绘图时作图工具及仪器合理摆放所需的最小面积。最小的工作面积要能容纳600mmX900mm的图板以及比例尺、曲线板、三角板、铅笔、针管笔、圆规、量角器、墨水、擦图板、橡皮等最基本的制图工具的摆放所需的面积。

艺术价值和魅力

摘要

在环境表现的手段和形式中，手绘的艺术特点和优势决定了在表达设计中的地位和作用，其表现技巧和方法带有纯然的艺术气质，在设计理性与艺术自由之间对艺术美的表现成为设计师追求永恒而高尚的目标。设计师的表现技能和艺术风格是在实践中不断地积累和思学磨练中成熟，因此，对技巧妙义的理解和方法的掌握是表现技法走向艺术成熟的基础，手绘表现的形象能达到形神兼备的水平，是艺术赋环境形象以精神和生命的最高境界，也是艺术品质和价值的体现。

关键词

手绘表现、技巧、方法、艺术风格、美的境界、艺术价值。

思维产生设计，设计由表现来推动和深化，环境表现以艺术形象的外化形式表达设计的意义。在设计程序中手绘表现是描述环境空间、形象设计更为形象直白的语言形式，它在设计程序中对创意方案的推导和完善起着不可替代的重要作用，是沟通与交流设计思想最便利的方法和手段，人可以通过手绘表现的便利通道来认识设计的本质内容和主旨思想。

设计是表现的目的，表现为设计所派生，脱离设计谈表现,表现便成了无源之水、无本之木。但同时，成熟的设计也伴随着表现而产生，两者相辅相成互为因果。手绘表现是判断把握环境物象的空间、形态、材质、色彩特征的心理体验过程，是感受形态的尺度与比例、材质的特征与表象、色彩的统一与丰富的有效方法，是在设计理性、直觉感悟、艺术表现的嬗变过程中对创意方案的美学释义。手绘表现因继承和发展了绘画艺术的技巧和方法，所以产生的艺术效果和风格便带有纯然的艺术气质，其手法的随意自由性确立了在快速表达设计方案记录创意灵感的优势和地位。

一、技巧的作用与妙义

环境的表现过程是产生技巧和方法的本源基础，是刻画形象、塑造环境的思维过程。如果把表现技法理解为描述设计的形象语言形式，那么具体的笔法技巧就是构成这种语言形式最基本的符号，因此，技巧服从于表现过程的需要和规律才可章显其作用和意义。在建构环境形象的过程中，一个点、一条线形、一笔色块的组织和安排都是环境空间、形态形象、体面材质、色彩调子刻画的具体要求，对于点、线、面(色块)之间的构成应具内在的逻辑关系，而非貌合神离于形象整体的散漫无章，所以正确认识技巧间的相互关系是提升技巧按表现方法的要求达到艺术高度的思想基础。

设计师在对空间形象的四维理解中寻找表达的艺术规律非常重要，因为丰富的技巧产生于环境形象、形态特征、体面材质、色彩调子、构图布局的具体要求，也是设计师的艺术修养、造型功底、表现习惯、思维方法和性格特点的流露和体现，它如同旋律中的音色、调子中色彩的作用一样决定着形象语言的特色。由于手绘技巧和方法的自由和随意的特点，在丰富表现语言方面具有其他表现手段无法比拟的优势，艺术生动的技巧在设计师灵巧的手笔之间流泻并贯穿于表现的始终，是设计师能动艺术地掌控环境表达效果能力的体现，廖廖数笔利落于把握准确的形象特征之间，简炼而不单调，严谨而不呆板，笔法沉稳而流畅、转折变化而丰富，形态准确而生动，笔顺有序而和谐，是艺术地增强画面效果感染力的有效手法。

表现的直接目的是设计，为表现而对技巧的浮夸和玩弄将成为形式的摆设，会脱离设计本质而失去表现存在的价值和意义，因此，对表现技巧的有效、生动和艺术性的把握是衡量设计师综合素养的一种标准。表现技巧的干练和精道是技法走向艺术的开始，需要设计师在思学磨练中锤炼和提升，设计师只有从艺术美的高度认识技巧在表现中的作用和价值，才可在技巧对预想环境艺术效果的建构和诠释中赋环境物象一种精神和艺术和谐。

二、表现方法的艺术诠释

表现艺术必须成为调节人的视觉感受与图面艺术效果关系的重要手段，在此关系中表现方法就显得尤为重要。手绘是丰富而自由的，设计师应不为一种固有的概念和表现形式所困，而应利用和发挥各种工具的优势因势利导地去表达整体环境，不从僵化，格守‘外师造化而不为造化所役’之信念，才能不断的有所创新和突破，发现新的形式美感。古画论中就如何丰富画面效果已做过精辟论述，既所谓：“欲作结密，先以疏落点缀(笔顺的疏密安排);欲作平远，先以峭拔陡绝(笔法的对比与丰富);欲作虚灭，先以显实爽直(形态与空间的虚实关系)”，深刻地道出了构图的艺术效果与章法布局的关系。对于环境整体关系的表达方法，设计师应在把握环境物象的形、色、质的内在关系中得其要领，既在局部与整体、局部与局部的关系中，从局部入手深化去把握统一环境整体。环境空间的远、中、近景层次的先后处理、体面与体量关系的掌握、色彩与色调关系的理解、环境气氛与艺术效果都应做缜密安排，理性思考与感性表现应相辅相成，而不是相互羁绊的绳索，只有对表现方法的辨证理解才能达到“尽精微、致广大”的思想境界，在表现中方可得形内质、传象之神，达到形神兼备的艺术水平和高度。

设计师应明确地认识到技法的娴熟和精妙不能作为粉饰设计的装束，而应成为准确表现环境物象、调整艺术效果的有效手段。　在表现技法中没有铁定的规律和固定的范式可供效法，只能合理借鉴，不可一味模仿;不打折扣的生搬硬套不是艺术，也无价值可言，只有表现中的才学积累才是技法达到娴熟而自成风格的正确途径。

三、风格感性与艺术境界

设计表现在艺术的范畴中可以理解为感觉艺术，在理性设计与感性表现之间，设计师应始终保持在激情的状态中去发现、感受和创造美的事物，保留艺术美的新鲜感受，并同艺术灵感一起注入到具体的形象和画面之中。表现风格是设计师的表达习惯与技法个性在构图安排、塑造形态、表现色彩、协调画面效果中的反复、充分地体现，它的形成取决于设计师的四个素质条件：

1.设计师在长期设计表现实践中积累的方法和习惯。

2.设计师对客观物象美的敏感和正确判断。

3.艺术的先天灵性与后天修养双重具备。

4.具备思学磨练精神、善于感悟艺术哲理。

表现风格的形成以设计师的艺术素质为前提，是设计师运用技法表达空间、形态、色彩中形成的笔法形式特征和艺术个性。如果把设计与表现作为主、客体关系来认识，那么设计表现就应成为设计师主观能动地调整环境设计向艺术方向发展的有效手段。在设计与表现的直觉—理性—感性的能动转换中，设计师对美的感悟、灵性的触动、创新的意念一起揉进表现的形式中，风格的意向之美便逐渐地孕育而产生。与此同时，对某种风格特征和艺术个性的感受将产生特有的审美趣味和艺术感染力，以达到美感共鸣来带动认同设计的目的，以此为条件的设计交流和沟通将提升到艺术更高的层面上展开。

表现的艺术手法、形式和风格在审美范畴中是构成意境美的基本元素，其活力是烘托画面意境效果的决定因素，是设计师艺术感性地提升环境设计的美学价值基础。意境既：手绘表现所达到的环境美的艺术境界和高尚情调。对艺术境界的感受不能孤立于环境设计之外来认识，应明确表现形式的本质目的是提升设计的艺术价值，单纯为表现而失去设计的本质目的和方向的手法和形式将会本末倒置，失去设计表现的意义。在形式美的统一中合理地组织笔法技巧，克服笔法间的散漫无章而失之气韵，达到笔法丰富而生动、形态严谨而传神;构图平衡而不刻板，透视准确而不变形;布局新奇而有章法，使环境的整体形象按艺术构思的意愿发展和建立，表现效果才能达到美的和谐。手绘表现技法自由任意的性格、纯然质朴的品质、凝练艺术的手法，可感染和触动人的审美意识去感受艺术的神韵而进入美的意境，如同心灵感受天籁悠远而神奇的述说一样美妙，这就是手绘表现的价值和魅力所在。

在设计与表现实践中，美是设计师追求永恒而高尚的目标，对这一目标的追求是个艰难而痛苦的探索历程，在对美的探索、发现和创造过程中美可以上升至纯粹的精神境界。　精湛的表现技能成熟于不断的积累和思学磨练之中，在深遂的艺术之海中探索和追求，是对设计师的韧性、气质、品格的培养过程。就手绘表现而言，“约束中的自由”是手绘表现对技法的认知和表现思想在实践中逐渐归于成熟的表现，表现美是心灵感悟的成熟、是表现的自由。用艺术手法将精神和生命注入环境形象是表现的艺术目标，在此过程中设计师去揭示艺术真谛和美的情趣时，情感获得的就不仅是环境的表象形式，而是设计艺术的灿烂和珍贵价值。

马克笔作画步骤、基本技法

马克笔的作画步骤及基本技法：1、准备 2、草图 3、正稿 4、上色 5、调整

1、准备。

要想画出一幅成功的渲染图，前期的准备必不可少。马克笔的一大优势就是方便，快捷，工具也不像水彩水粉那么复杂，有纸和笔就足够了。纸通常用两种：一种是普通的复印纸，用来起稿画草图，另一种是硫酸纸(A3)，用来描正稿和上色。硫酸纸是非常好的纸型，实践证明，马克笔在硫酸纸上的效果相当不错，优点是有合理的半透明度，也可吸收一定的颜色，可以多次叠加来达到满意的效果。复印纸等白纸类的吸收颜色太快，不利于颜色之间的过渡，画出来的往往偏重，不宜做深入刻画，只适用于草图和色练习。笔也需要两类，针管笔和马克笔。针管笔以一次性的为好，红环或三菱的，备几种型号，用0.1，0.3，0.5和0.8，有了线型的变化画面才会丰富。一次性针笔在硫酸纸上挥发性好，线条流畅，注水的针笔或钢笔画出来干的很慢，很容易蹭脏画面。马克笔用韩国产的“TOUCH”系列，油性，120种色，有方头和圆头，价格在十圆左右，水分很足，用起来很爽。作为专业表现，颜色至少六十种以上，做景观的绿色系列要全。当然，马克笔也根据个人喜好而定，但最好是油性的。

2、草图。

草图阶段主要解决两个问题：构图和色调，构图是一幅渲染图成功的基础，构图不重视的话，画到一半会发现毛病越来越多，大大影响作画的心情，最后效果自然废废啦。构图阶段需要注意的有透视，确定主体，形成趣味中心，各物体之间的比例关系，还有配景和主体的比重等等，有些复杂的空间甚至需要借助CAD来拉出透视，尽量做到准确。

色调练习对初学者来说相当有必要，可以锻炼色彩感觉，提高整体的概念。把勾好的草图复印几个小样(A5就行)，快速上完颜色，每幅20分钟左右，每幅都应有区分，或冷调，或暖调，或亮调，或灰调，不抠细节，挑出最有感染力的一幅作正稿时的参考，在这两个步骤完成后，心中对最后的效果应该有七八分的把握了。

3、正稿。

在这一阶段没有太多的技巧可言，完全是基本功的体现，如何把混淆不清的线条区分开来，形成一幅主次分明，趣味性强的钢笔画。通常从主体入手，用0.5的针笔勾勒轮廓线，用笔尽量流畅，一气呵成，切忌对线条反复描摹，然后用0.3的笔画前景的树和人物，最后用0.1的画远景。先画前面的，后画后面的，避免不同的物体轮廓线交叉，在这个过程中边勾边上明暗调子，逐渐形成整体，前景中对比，中景强对比，背景弱对比。前景的人物刻画要准确传神，动态协调，背景人物基本上可以用点和面代替。在上图中张拉膜是主体，右边的两棵树作为主体的补充，起到平衡画面的作用，再加上几组人物和宽阔的水面，形成一处宁静详和，生机盎然的住区景观。如果对明暗调子把握不准的话，可以只对主体部分做少量的刻画，剩下的由马克笔来完成，马克笔的表现力也足以主宰画面。

4、上色。

上色是最关键的一步把大部分颜色上在硫酸纸的背面，这样做一是可以降低马克笔的彩度，过于鲜艳的颜色可能使画面过“火”，大面积的灰色才能使渲染图经久耐看，另外，背面上色也不会把正稿的墨线洇开，造成画面的脏乱。以上图为例，先从天空入手，用浅紫灰色画最远处的，然后是浅蓝灰，最上面是蓝色，画天空时不要太多的停顿，几种色之间的衔接要快，迅速溶到一起，并在适当的地方留出云形，笔触不能太强，以免呆板。天空在画面中占三分之一还多，作为补充，不宜过多刻画，避免喧宾夺主。初学者如果没把握的话，可先用描图纸多作几幅单独的天空块，挑最有感觉的用到正图上去。接下来是水面，颜色尽量和天空保持一致，可以再稍灰些，然后再上树木的颜色，背景的冷灰，偏蓝绿，对比弱，分出明暗就可以了，前面的偏暖，对比强，有一定的细节，颜色更加丰富。地面和草地的颜色上完，画面气氛基本形成，下一步就要做深入刻画，浅浅的一层颜色并不能表现出物体光影，明暗，材质的变化，这就需要不停的叠加来达到更佳的效果，硫酸纸将显示出优势，在这一过程中，开始利用正面刻画一些需要重点表现的地方，如主体构筑物，前景人物，石头，在画膜结构时我有意把后面的树木画暗些，衬托出来，用重色刻画暗部和阴影，几次重叠以后，预想的效果基本就达到了。这一过程也是经验积累的过程，哪些颜色叠加到一起能产生好的效果必须要记住，随时做记录，以便下次画相同的场景时驾轻就熟，事半功倍，很多颜色忌重叠，如补色，很容易画脏画乱，不好修改。

一个基本的原则是由浅入深，一开始往死里整，修改起来将变得困难，在作画过程中时刻把整体放在第一位，不要对局部过度着迷，忽略整体，后果将惨不忍睹，“过犹不及”应该牢记。

必须值得注意的是，上色过程并不是要把树画的多绿，水画的多蓝，也不是说笔法用的多漂亮，潇洒，重要的是画关系，明暗关系，冷暖关系，虚实关系，这些才是主宰画面的灵魂，大自然的一切受着环境的影响，并不是孤立存在，关系没画准，只能说是一堆颜色的堆砌，而不能称为一幅成功的渲染图，对比是画准这些关系的手段。在画的过程中还要学会分析思考，例如我们印象中树应是绿色，实际上在光线和环境的影响下，亮部可能偏黄绿，暗部偏蓝绿，甚至还有一些紫色，只有小部分是本身的颜色，画时要把这些微妙的关系表现出来，尝试不画蓝色的水面，竟取得了意想不到的效果，细心留意现实生活中的物体，会发现许多和想象不一样的结果。

5、调整。

这个阶段主要对局部做些修改，统一色调，对物体的质感做深入刻画。到这一步需要彩铅的介入，作为对马克笔的补充，彩铅修改一般不会超过十分钟，因为彩铅和我钟爱的硫酸纸附着效果不好，只能薄薄盖一层，画多了容易发腻，反而影响效果。